sábado, 30 de abril de 2011

El Retrato de Inocencio X

El "Retrato de Inocencio X" fue realizado por Diego Velàzquez en 1650, se encuentra actualmente en la "Galeria Doria-Pamphili" de Roma, conocida tambien como "Palazzo Doria-Pamphili".

   PopeInnocentX.jpg
 
Representa al Papa Inocencio X sentado en un sillon con un papel en la mano, mirando al espectador (o al artista), Inocencio X.
 
Su nombre era Giambattista Pamphili (Roma, 1572 - 1655) fue elegido Papa en 1644 tenia setenta y dos años, tomó el nombre de Inocencio X, fue abogado consisorial en 1604 y auditor del Tribunal de la Rota. En 1621, el papa Gregorio XV lo nombró nuncio en Nàpoles, cargo que ocupará hasta que en 1625, el entonces papa Urbano VIII lo envió a España y Francia, en calidad de datario, acompañaba al sobrino del Papa Francesco Barberini quien había sido nombrado nuncio.

El artista escogió la forma de representación segun el modelo establecido por "Raphael", el Papa està sentado y girado hacia su derecha, solo los ojos miran de frente.

Velazquez lo realizó en el segundo viaje que hizo a Italia, (entre 1649 y 1651), alli realizó varios cuadros, fue el propio pintor quien se ofreció al papa para pintar su retrato, para ello tuvo que demostrarle su habilidad como artista, hizo varios retratos de otros personajes, algunos formaban parte del entorno del Papa como:

- Su criado y tambien pintor Juan Pareja, "El esclavo" pientado en 1650, (Metropolitain Museum de Nueva York).              

                 Retrato de Juan Pareja, by Diego Velázquez.jpg
      

- "Camillo Massimi", (contaba con 30 años de edad cuando fue retratado), tenia el cargo de Camarero Secreto o de Honor del Papa, por lo que le vemos con un hábito y bonete de color azul eléctrico. Más tarde sería nombrado Nuncio en España).
 
Camillo Massimi


- Tambien representó al barbero del Papa, Velázquez se intereso en representarlo con la expresión resignada y melancólica.

El retrato de "El barbero del Papa" ha sido adquirido recientemente por el Museo del Prado.
 
     El barbero del Papa

Técnicamente, el retrato es una obra maestra en ella el artista utiliza una gama de color, sobretodo el rojo està presente en casi todo el cuadro: el cortinaje rojo, resalta el sillón rojo, y sobre éste el ropaje del papa, (el bonete y en el mantelete papal). La superposición de rojos no consigue aplastar la fuerza del rostro, Velázquez lo representa rojizo segun como està vestido parece que el retrato fue hecho en verano, no es raro que el Papa turviera la cara  (casi roja) bronceada, los rojos contrastan con los colores blancos del roquete y el papel que tiene en la mano .
Los ropajes están captados con el mayor realismo, obteniendo una increíble calidad y brillo en las telas.
 
Lo que llama la atención del cuadro es el rostro, el pintor supo captar y transmitir el "alma" del personaje, por lo visto el Papa era desconfiado por naturaleza, siempre estaba alerta, el artista supo plasmar su desconfianza, la expresión del Papa es tensa, el ceño fruncido, los ojos y la boca muestra la impaciencia, como si de un momento a otro se fuera a levantar exasperado por la larga pose.
 
Cuando el Papa vió el cuadro acabado, se quedó sorprendido, exclamó: Demasiado real!!!, el pontifice quedo satifecho del trabajo del artista, y como agradecimiento obsequió a Velàzquez con una medalla y una cadena de oro, a la muerte del pintor, figuraban entre sus bienes.
 
No se han encontrado dibujos o esbozos preparatorios del cuadro, parece ser que el artista hizo el retrato directamente sobre el lienzo.
 
La firma del cuadro aparece en el papel que sostiene el Papa, (la fecha no se lee bien)

El cuadro muestra la influencia de la escuela Veneciana y  sobretodo del pintor Ticiano, los retratos de Velazquez son màs realistas que los de Rubens y Van Dyck, aunque estos pintores en vida gozaron de mayor éxito comercial que Velazquez.
 
El cuadro fue elogiado por numerosas personas como: el pintor Joshua Reynols, consideraba el cuadro como el mejor retrato que existia en Roma.

El historiador Hippolite Taine consideró el retrato como "La obra maestra de todos los retratros" y que una vez visto es imposible de olvidar.
 
El artista conteporàneo Francis Bacon, realizó 40 interpretaciones sobre esta obra, por lo visto no vió la obra original cuando pintó sus cuadros, segun Bacon si la hubiera visto no habria podido soportar el impacto del cuadro de Velazquez, para pintar sus cuadros se basó solo en fotografias.
     

inocencio x by bacon

En el Retrato de Inocencio X, Francis Bacon intenta que el personaje conserve la misma posición que el retrato pintado por Velázquez, pero la realización técnica y el entorno en que se encuentra es totalmente diferente.
 
El retrato realizado por Bacon, Inocencio X parece un fantasma, su figura es deforme, el rostro crispado, con los puños cerrados, la boca abierta parece emitir un grito sordo.

El fondo de la obra es oscuro y abstracto, realizado con pinceladas verticales que “penetran” en el personaje

Desde que fue pintado el cuadro por Velazquez, ha pertenecido a la familia Pamphili, despues a los Doria-Pamphili cuando se unieron

El retrato de Inocencio X està considerado como uno de los mejores ejemplos de la Historia del Arte, por consegir representar la Psicologia del personaje.

Las Tres Gracias

"Las Tres Gracias", fue pintado sobre tabla por el aleman Lucas Cranach "el Viejo" en 1531.
    LUCAS-CRANACH---les-trois-graces.jpg

El cuadro es una obra maestra del Renacimiento alemán, las figuras son típicas del maestro aleman, representa a tres jovenes rubias desnudas, solo llevan sus collares de oro, una de ellas (la del centro) lleva un sombrero plano rojo con unas plumas blancas, en lugar de un collar dos de ellas llevan dos collares, la mujer situada a la derecha se coge el pie por el tobillo en una postura extraña, la Gracia de la izquierda, parece estar envuelta en una especie de velo transparente, el velo està cogido por la Gracia del sombrero, el color blanco de la piel contrasta con el fondo es obscuro.


Para muchos historiadores del arte, las mujeres pintadas por Cranach representan el "canon perfecto" de belleza

LUCAS-CRANACH-LES-TROIS-GRACES.jpg

Las Tres Gracias, segun la mitología grecolatina, eran hijas de Zeus y Eurymone, representaban la belleza (Aglaé, la sabiduría (Eufrosina) y la alegría (Talía), siempre aparecen desnudas (ya que la belleza no necesita cubrirse), personificaban el lado festivo de la vida de los griegos, estaba basada en el juego, el amor, el deseo, el placer y la seduccion

El cuadro es pequeño, mide 24 x 37 cm, la obra ha sido clasificada como un "tesoro nacional" por los franceses, de esta forma no podia salir del territorio francés, muchos museos extranjeros tienen un gran poder adquisitivo lo podian comprar facilmente para enriquecer sus colecciones de Arte.


Desde 1932 ha pertenicido al mismo propietario, ha salido a la venta por 4 millones de euros.


El Louvre había reunido 3 millones de euros gracias al mecenazgo de las empresas y a sus propios créditos de adquisición, pero le faltaba un millón de euros para concluir la transacción, el museo tenía una fecha límite, el 31 de enero 2011, para encontrar los fondos, su director Henri Loyrette, lanzo una llamada a los Franceses para conseguir el millon de euros que faltaba y sólo necesitó un mes para reunir la cantidad.


Han sido unos 5.000 donadores, las edades comprendidas entre 8 y 96 años, dieron desde 1 euro a 40.000, la media de los donativos oscilaba entre los 50 y los 150 euros .

  
La campaña se ha cerrado una vez que se reunió el dinero que faltaba.
   
Le Louvre a lancé un site Internet pour récolter les dons du public et présenter

Actualmente el cuadro se encuentra en las reservas del Louvre, se presentarà al pùblico el 2 de Marzo al 4 de abril 2011, en la sala reservada a la nueva acquisicion, el nombre de los donantes estaran escritos  al lado del cuadro durante la presentacion, todos los contribuyentes recibiran una reproducciones de la obra, esto le servirà de entrada para poder verlo expuesto.

El presidente-director del Louvre Henri Loyrette dijo: "No sólo este cuadro se unirá a nuestras colecciones, sino que además hemos recibido una manifestación de fidelidad y de afecto del público al museo", "Es un magnífico regalo de Navidad" para el Louvre.

viernes, 29 de abril de 2011

La Dama de Shalot

El cuadro "La Dama de Shalott" (The lady of Shalott) fue pintado en 1888 por John William Waterhouse, se encuentra en la Tate Britain de Londre, la primera vez que se presentó al pùblico fue en 1894.

 

El pintor se inspiró del poema escrito por Lord Alfred Tennyson en 1832,  describe el destino de Elena.

La joven fue encerrada en una torre en la Isla de Shalott, segun la leyenda, tenia prohibido a mirar directamente el mundo exterior, si queria mirarlo tenia que ser através de un espejo, si lo miraba directamente se cumpliria una maldición, durante su encierro Elena pasaba los dias tejiendo un tapiz, sus bordados representaban lo que veia  atraves del espejo, como las aventuras de los « Caballeros de la Mesa Redonda » un dia Elena vió pasar a « Lancelot » y se enamoró de él, comenzó a espiarlo, un dia no pudo màs y lo miró directamente, en ese momento el espejo se quebró, y las telas salieron volando por la ventana, la maldición cayó sobre ella: Elena bajó de la torre, se montó en una barca, en la proa estaba escrito « La Dama de Shalott », la barca navegaba hacia Camelot, Elena murió de frio, su cuerpo helado fue encontrado por las damas y por los Caballeros de Camelot, entre ellos se encontraba Lancelot.

La pintura pertenece al movimiento "Pre-Rafaelita":
El tema, ilustra la historia de una mujer vulnerable, le es imposible escapar de su destino.
Tambien lo es en su composición, hay un paralelismo visual entre las ramas de los àrboles y los cabellos, los plieges del vestido y el tapiz.

Muchos autores Pre-Rafaelistas abordan el tema de las leyendas artúricas. Aquí asistimos a los momentos previos de la muerte de la Dama de Shalott que ha perdido sus poderes a causa de su amor por Lancelot.

Esta trágica historia la podemos encontrar en la obra "La muerte de Arturo" escrita por Thomas Mallory en 1485.

Existen docenas de versiones de la historia del Rey Arturo y sus Caballeros, seguramente la version que más ha influido ha sido la recopilación de leyendas realizada por Malory: La dama del lago, la espada en la piedra, Ginebra y Lancelot, Merlín y Morgana, el grial...

Waterhouse se concentra en la atmósfera, la luz està centrada en la joven, y en su vestido blanco, delante de ella hay tres velas, dos de ellas estan apagadas la otra no tardarà en apagarse.

En el siglo XIX las velas tienen su importancia, simbolizan la vida, en el cuadro se van apagando a medida que la dama avanza hacia su destino, la ultima vela se apagarà al mismo tiempo que la vida de la Dama de Shalott.

La barca està en medio del lago rodeada de arboles, es un paisaje tipico Inglés, los juncos del primer plano estan hechos con simples pinceladas.

Los cabellos, los plieges del vestido, los tapices tienen influencia del "Neo-clasicismo "

Waterhouse realizó tres obras inspiradas del poema de Tennyson:
 
- "The lady of Shalott" (1888)
 
  
 
- "Lady of Shalott. Looking for Lancelot" (1894)
 
        
 
- "I am half sick of shadows, said the Shalott" (1916)
 
     

Esta leyenda nos recuerda otros mitos, algunos de ellos griegos, como el "mito de la caverna" de Platón donde solo se puede ver una parte de la realidad desde el interior de la cueva o bien la obra de Homero, donde Penélope teje y deshace, esperando la llegada de Ulises, este al final llegó, lo mismo que lo hizo Lancelot

Elena, desconocida en Camelot, era una persona misteriosa, nunca ha quedado claro si es hada, doncella encantada o simple dama prisionera de algún mal brujo. Al final se revela pues quiere ver el mundo real, no el que se le presenta desformado através del espejo.

He aqui el poema que inspiró el cuadro.



I
A ambos lados del rio se despliegan
sembrados de cebada y de centeno
que visten la meseta y el cielo tocan;
y corre junto al campo la calzada
que va hasta Camelot la de las torres;
y va la gente en idas y venidas,
donde los lirios crecen contemplando,
en torno de la isla de allí abajo,
la isla de Shalott.
El sauce palidece, tiembla el álamo,
cae en sombras la brisa, y se estremece
en esa ola que corre sin cesar
a orillas de la isla por el rio
que fluye descendiendo a Camelot.
Cuatro muros y cuatro torres grises
dominan un lugar lleno de flores,
y en la isla silenciosa vive oculta
la Dama de Shalott.
Junto al margen velado por los sauces
deslízanse tiradas las gabarras
por morosos caballos. Sin saludos,
pasa como volando la falúa.
con su vela de seda a Camelot:
mas, ¿quién la ha visto hacer un ademán
o la ha visto asomada a la ventana?
¿O es que es conocida en todo el reino,
La Dama de Shalott?
Sólo al amanecer, los segadores
que siegan las espigas de cebada
escuchan la canción que trae el eco
del río que serpea, transparente,
y que va a Camelot la de las torres.
Y con la luna, el segador cansado,
que apila las gavillas en la tierra,
susurra al escucharla: "Ésa es el hada,
La Dama de Shalott".
II
Allí está ella, que teje noche y día
una mágica tela de colores.
Ha escuchado un susurro que le anuncia
que alguna horrible maldición le aguarda
si mira en dirección a Camelot.
No sabe qué será el encantamiento,
y así sigue tejiendo sin parar,
y ya sólo de eso se preocupa
la Dama de Shalott.
Y moviéndose en un límpido espejo
que está delante de ella todo el año,
se aparecen del mundo de las tinieblas.
Allí ve la cercana carretera
que abajo serpea hasta camelot:
allí gira del río el remolino,
y allí los más cerriles aldeanos
y las capas encarnadas de las mozas
Pasan junto a Shalott.
A veces, un tropel de damiselas,
un abad tendido en almohadones,
un zagal con el pelo ensortijado,
o un paje con vestido carmesí
van hacia Camelot la de las torres.
Y alguna vez, en el azul espejo,
cabalgan dos a dos los caballeros:
no tiene caballero que la sirva
la Dama de Shalott.
Pero aún ella goza cuando teje
las mágicas visiones del espejo:
a menudo en las noches silenciosas
un funeral con velas y penachos
con su música iba a Camelot;
o cuando estaba la luna en el cielo
venian dos amantes ya casados.
"harta estoy de tinieblas", se decía
la Dama de Shalott.
III
A un tiro de flecha de su alero
cabalgaba él en medio de las mieses:
venía el sol brillando entre las hojas,
llameando en las broncíneas grebas
del audaz y valiente Lanzarote.
Un cruzado por siempre de rodillas
ante una dama fulgía en su escudo
por los remotos campos amarillos
cercanos a Shalott.
Lucía libre la enjoyada brida
como un ramal de estrellas que se vé
prendido de la áurea galaxia.
Sonaban los alegres cascabeles
mientras él cabalgaba a Camelot:
y de su heráldica trena colgaba
un potente clarín todo de plata;
tintineaba, al trote, su armadura
muy cerca de Shalott.
Bajo el azul del cielo despejado
su silla tan lujosa refulgía
el yelmo y la alta pluma sobre el yelmo
como una sola llama ardían juntos
mientras él cabalgaba a Camelot.
Tal sucede en la noche purpúrea
bajo constelaciones luminosas,
un barbado meteoro se aproxima
a la quieta Shalott.
Su clara frente al sol resplandecía,
montado en su corcel de hermosos cascos;
pendían de debajo de su yelmo
sus bucles que eran negros cual tizones
mientras él cabalgaba a Camelot.
Al pasar por la orilla y junto al rio
brillaba en el espejo de cristal.
"tiroliro", por la margen del rio
cantaba Lanzarote.
Ella dejó el paño, dejó el telar,
a través de la estancia dio tres pasos,
vio que su lirio de agua florecía,
contempló el yelmo y contempló la pluma,
dirigió su mirada a Camelot.
Salió volando el hilo por los aires,
de lado a lado se quebró el espejo.
"Es ésta ya la maldición", gritó
la Dama de Shalott.
IV
Al soplo huracanado del levante,
los bosques sin color languidecían;
las aguas lamentábanse en la orilla;
con un cielo plomizo y bajo, estaba
lloviendo en Camelot la de las torres.
Ella descendió y encontró una barca
bajo un sauce flotando entre las aguas,
y en torno de la proa dejó escrito
La Dama de Shalott.
Y a través de la niebla, río abajo,
cual temerario vidente en un trance
que ve todos sus propios infortunios,
vidriada la expresión de su semblante,
dirigió su mirada a Camelot.
Y luego, a la caída de la tarde,
retiró la cadena y se tendió;
muy lejos la arrastró el ancho caudal,
la Dama de Shalott.
Echada, toda de un níveo blanco
que flotaba a los lados libremente
-leves hojas cayendo sobre ella-,
a través de los ruidos de la noche
fue deslizándose hasta Camelot.
Y en tanto que la barca serpeaba
entre cerros de sauces y sembrados,
cantar la oyeron su canción postrera,
la Dama de Shalott.
Oyeron un himno doliente y sacro
cantado en alto, cantado quedamente,
hasta que se heló su sangre despacio
y sus ojos se nublaron del todo
vueltos a Camelot la de las torres.
Cuando llegaba ya con la corriente
a la primera casa junto al agua,
cantando su canción, ella murió,
la Dama de Shalott.
Por debajo de torres y balcones,
junto a muros de calles y jardines,
su forma resplandeciente flotaba,
su mortal palidez entre las casas,
ya silenciosamente en Camelot.
Viniendo de los muelles se acercaron
caballero y burgués, señor y dama,
y su nombre leyeron en la proa,
la Dama de Shalott.
¿Quién es ésta?¿Y qué es lo que hace aquí?
Y en el cercano palacio encendido
se extinguió la alegría cortesana,
y llenos de temor se santiguaron
en Camelot los caballeros todos.
Pero quedó pensativo Lanzarote;
luego dijo: "tiene un hermoso rostro;
que Dios se apiade de ella, en su clemencia,
la Dama de Shalott".

Como dijo Tolkien: "Y aquellos hechos que nunca debieron caer en el olvido se perdieron para siempre en el tiempo. La historia se convirtio en leyenda y la leyenda en mito..."

Las rosas de Heliogàbalo

Las rosas de Heliogàbalo, es un óleo en lienzo realizado en 1888 por el pintor holandés Lawrence Alma-Tadema, mide 214 cm x 132 cm, pertenece a una collección privada (México)

    

Alma Tadema (1836 - 1912) estaba fascinado por el mundo antiguo, de él se inspiró para sus cuadros.

El cuadro representa un banquete, el emperador y los comensales estan en un "triclinio" (para los romanos el triclinio era una sala donde se recibia a los invitados, o un comedor, en él habia camas de banquete alrededor de una mesa, en cada cama cabian tres personas), en la parte izquierda del cuadro se acaba de desprender una gran tela que contenia petalos de rosas, una mujer toca la flauta.

Segun la leyenda el emperador Heliogàbalo queria afixiar con ellos a sus invitados, (su verdadero nombre era ,Varius Avitus Bassianus, fue nombrado emperador a los 15 años y asesinado a los 18).   

      Elagabalo (203 o 204-222 d.C) - Musei capitolini - Foto Giovanni Dall'Orto - 15-08-2000 .jpg

Otro hecho similar se produjo la casa de "Trimalción" descrito en "El Satiricón" de Petronio.

Al poco tiempo de la muerte del emperador comenzó una campaña para desacreditarlo, fue atribuida a Julia Avito Mamea, era sobrina de la emperatriz Julia Domna y del emperador Septimo Severo y madre del emperador Alejandro Severo, muchas historias denigrantes y excentricidades pudieron haberse exagerado.

Tadema representó un episódio tomado de la "Historia Augusta" fue escrita en latin, narra las biografías de los emperadores romanos, y de los usurpadores, entre los años 117 y 284 durante los reinados de Diocleciano y Constantino I, fueron 6 sus autores, se cree que es en gran medida una obra de ficción histórica, en la biografia de Heliogábalo, sólo las secciones 13 a 17, referentes a la caída de Heliogábalo, están consideradas como de cierto valor histórico.

 

Corinthe

La escultura fue realizada por Jean-Leon Gerôme, realizada en 1903-1904, es de escayola policromada, mide 47.5 x 33 x 30 c, se encuentra en el Museo d'Orsay -Paris-

  

Pepresenta a una mujer sentada desnuda, las piernas cruzadas, adornada con joyas.

El cuerpo tiene un modelado perfecto, el color es delicado parecido al color natural de la piel, mirada perdida en la lejania, sus ojos maquillados en forma de almendra, los labios pintados de rojo.

El artista se inspiró modelos antiguos para las joyas, los pudo observar en los viajes que hizo a Siria y a Turquia, la majestuosa diadema verde y oro con hojas de acanto, los cabellos de color castaño estan recogidos en un moño, los pendientes en forma de pajaros, un collar doble, hecho con dientes de marfil y mascaras de leones, en el centro hay una gran piedra de color verde, en los brazos lleva varias pulseras, diferentes anillos en los dedos de las manos y de los pies.

    

La escultura es una personificación de la ciudad de Corinto, a pesar de pequeño tamaño, la obra transmite un fuerte realismo de mujer fatal, llena de mistério, este tipo de representación era el preferido de los artistas "Simbolistas".

Gerôme es uno de los pocos artistas que han sabido dominar las técnicas de la pintura y de la escultura.

Para pintar las esculturas utilizaba la cera de colores, la primera que hizo fue "Tanagra", con el color intentaba darles vida, el artista dijo: "Je me suis tout d'abord occupé de la coloration des marbres, car j"ai toujours été effrayé par la froideur des statues".

En sus obras mezclaba diferentes materiales (marmol, bronze, cera...), las joyas de Corinthe estan hechas de cera, este tipo de escultura suscitó ardientes debates en el siglo XIX.

El erostismo que desprende està ligado a la ciudad de Corinto alli  eran célebres las prostitutas sagradas que estaban encerradas en el templo de Afrodita.

Corinthe es una de las ùltimas obras de Gerôme, la obra sirvió de modelo para otra escultura de marmol, Gerôme murió antes de tenerminarla, fue su asistente Emile Decorchement quien la terminó, la presentaron en el "Salon de 1904" en lo alto de una columna Corintia.

Corinthe como Tanagra, juega con la idea griega de la "Tyché", la alegoria de una divinidad protectora de una ciudad.

El titulo de la obra evoca un adagio antiguo "Non licet omnibus adire Corinthum" (Todo el mundo no puede permitirse ir a Corinto) hace alusion a los altos precios que habia que pagar a las prostitutas sagradas del templo de Afrodita en Corinto

Gerôme, estaba al corriente de la actualidad arqueológicas, la obra es una conmemoración al descubrimiento arqueológico en Corinto en el año 1896.

El 25 de junio 2008 el Museo d'Orsay compró la escultura a los herederos del artista, pagaron por ella 456 750 Euros.

Existen varios ejemplares de la obra: otra estatua de marmol, seis ejemplares en bronze, todos ellos  fueron realizados despues de la muerte del artista.

Corinthe es la obra màs espectacular, està considerada como el testamento artistico del artista. Gerôme resume en Corinthe su eclecticismo y su fantasia.

lunes, 25 de abril de 2011

El descendimiento de la Cruz

El descendimiento de la Cruz, fue pintado por Roger Van der Weyden, entre 1435 y 1438, es un oleo sobre tabla (220 x 262 cm), pertenece la pintura flamenca del siglo XV, forma parte del "Gotico tardio", se encuentra en el Museo del Prado, Madrid.

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Es una de las primeras obras que se le puede atribuir con toda exactitud a Roger Van der Weyden.

El retablo estaba situado en el altar de la capilla "Notre Dame, Hors-les-Murs" de Louvain, la capilla pertenecia a la guilda o cofradia de ballesteros de la ciudad, estos encargaron el cuadro al pintor,

La parte superior fue ampliada para prolongar la cruz.

El cuadro estuvo en la capilla màs de 100 años hasta que Maria de Hungria, regente de los Paises Bajos (hermana de Carlos V), lo compró, en su lugar pusieron una copia realizada por Michael Coxcis.
 
La regente lo instalo en su castillo de "Binche", 1551 Vicente Alvarez escribio: "Era el cuadro màs bellos del castillo, incluso, yo creo, que del mundo entero, porque yo he visto en esas regiones numerosos cuadros buenos, pero ninguno lo iguala en la forma o en la devocion. Todos aquellos que lo han visto piensan igual que yo".  
 
A la muerte de Maria, el cuadro lo heredo su sobrino Felipe II de España (1527-1598), lo colocó en el pavillon de caceria del Prado.  El 15 de abril 1574, el cuadro fue instalado en Monasterio de San Lorenzo del Escorial, se le añadieron dos cuadros en los laterales (triptico).

La escena representa un episodio de los Evangelios, los acontecimientos que siguieron la muerte de Cristo, San Mateo, San Marcos y San Lucas nos dicen que José de Arimatea, era un discipulo secreto de Cristo, obtuvo de Pilatos la autorización de recuperar el cuerpo de Cristo, lo descendió de la cruz, lo envolvió en un lienzo blanco, lo acompañaban las Santas mujeres, depositaron el cuerpo en el Sepulcro.

En el centro, el cuerpo de Cristo atrae la mirada del espectador, està sostenido por dos hombres, lo presentan de cara al observador, por llagas la sagre se desliza a lo largo del cuerpo.

José de Arimatea lo coge por las axilas, és un hombre major, tiene el pelo y la barba blanca, lleva la "Kipà" de color violeta, recibe el cuerpo de Jesus sobre un lienzo blanco, un miembro de la cofradia de ballesteros sirvio de modelo del personaje.

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Maria, la Madre de Jesus, se desploma de dolor, San Juan Evangelista la sostiene.

El joven montado en la escalera vestido de blanco es Simon el Cyrineo, ayuda a descolgar y a bajar el cadáver.

Maria Salomé, esposa de Cleofàs se seca las làgrimas con un pañuelo, estuvo presente en la cruxifision, (es una de las 3 Marias).

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A la derecha, Nicodemo, està representado como un personaje rico, vestido suntuosamente, tiene un abrigo de brocado lila y oro, coge con las dos manos las piernas de Cristo.

Detràs de Nicodemo hay otro personaje con barba sostiene el tarro de perfumes.

Maria Magdalena, està de perfil, con el vestido gris-verde con las mangas rojas, se inclina hacia los pies de Cristo, lleva un cinturon con una inscripción: IHESVS MARIA.

San Juan Evangelista, junto con Maria Cleofàs sostienen a la Virgen.

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La calavera que està en el suelo representa el pecado de Adan y Eva, la muerte de Jesus es la redencion de esa falta.
 
El pintor representa a los personajes en una composicion magistral, estructurada, equilibrada, su intensidad expresiva, y el minucioso detallismo lo distingue de los pintores Italianos.
 
Las posiciones de Jesucristo y de la Virgen expresan las direcciones básicas de la tabla.
 
El acontecimiento se desarroya en un espacio donde la profundidad es reducida, si se oberva bien hay cinco niveles de profundidad en el cuadro: La Virgen, el cuerpo de Cristo, los personajes que llevan el cuerpo, la cruz, y el personaje de la escalera.
 
La postura del cuerpo de Cristo, tiene la forma de una "ballesta", (hace alusión a la cofradia que encargó el cuadro).
- Powel sostiene que en la "Teologia medieval", se produce una metàfora entre el cuerpo de Jesus en la Cruz y una ballesta tensada.
- Heinrich von Neustadt escribió: "El estaba tendido sobre la cruz... y sus brazos estirados como la cuerda de un arco".
 
Van der Weyden, en el cuadro representa los brazos de Cristo como si fuera una ballesta que acaba de tirar su flecha.

La figura de San Juan muestra una curva "(" como si fuera un parentesis, se corresponde con la figura de Maria Magdalena " )" a la derecha, los rostros de los personajes están alineados horizontalmente.

En los vestidos se ven reflejados la clase social a la que pertenece cada personaje, Van der Weyden gracias a la técnica del óleo, puede pintar con preciosismo las calidades de las telas: vison, seda, brocados, raso azul...

El color azul de ultramar del vestido de la Virgen, indica el alto precio que pagaron por el cuadro, pues el pigmento azul se obtenia del "Lapislazuli" era importado de Afganistan.

El fondo es liso (no hay un paisaje), de este modo, las figuras parecen esculturas policromadas, estan representada en un nicho con los bordes dorados, el artista recreó con trucos ópticos de un grupo escultórico, para ellos incluye en "trampantojo" (ilusion optica) unas tracerias  góticas en los angulos, estos ornamentos eran comunes en retablos escultóricos y en nichos funerarios, los retablos escultóricos eran más costosos que los pintados.
 
El fondo de oro tiene un sentido simbololico, representa la eternidad, lo divino, la ausencia de paisaje en el cuadro centra la atencion en las figuras, lo ùnico que hace alusion al paisaje, son las piedras del suelo y la planta que hay al lado de la calavera.
 
El empleo del color dorado es un elemento caracteristico del gótico, este estilo se desarrolló en Borgoña, Bohemia y el norte de Italia a finales del siglo XIV y principios del siglo XV, en este periodo los pintores viajaban por Europa, creando una estética común, los cuadros son màs réalistas, utilizaban los colores primarios (rojo, amarillo, azul), de las tablas ùnicas, pasaron a los dipticos, tripticos, y a polipticos, otra de las caracteristicas de este estilo es la introducción como aglutinante el aceite, lo que dio lugar a la pintura al óleo (El óleo sobre lienzo se hizo popular en los siglos XV y XVI, fue el punto de partida del arte renacentista).
 
Lo que hace que la obra sea ùnica en este periodo, es el desmayo de la Virgen Maria, se desploma en una posicion semenjante a la de Cristo, incluso el numero de personajes que la sostienen, esta postura es una novedad en el arte de los "Primitivos Flamencos".

El cuadro en si no se limita solo a la belleza plàstica, tiene una gran fuerza y con gran claridad expresa la unidad del grupo de parientes y amigos, reunidos en torno al cadaver, todos sufren a su manera por su muerte, cada uno y segun su temperamento muestra el dolor que sienten: Maria se desmaya, José de Arimatea se controla, San Juan, el apostol favorito de Jesus llora, sus lagrimas sorprenden por su realismo.
 
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La obra formó parte de las pinturas que salieron de España hacia Ginebra, para protegerla durante la gerra civil española, a su regreso en 1939 fue incluida en la colección del Museo del Prado, 

El descendimiento de la cruz, fue copiado atraves de los años, devió ser famoso nada más realizarse, porque en el año 1430 se hizo una réplica por un pintor desconocido para la capilla de una familia de Lovaina en la iglesia de San Pedro, esta réplica se encuentra expuesta en el Museo Stedelijk de Lovaina.

El mensaje del cuadro es la Redención de los hombres a través de la Pasión, fue oncebido para representar la eucaristia, pues durante la misa el pan y el vino se combierten en el cuerpo y la sangre de Cristo.