domingo, 30 de junio de 2013

La ejecución de Jane Grey

La ejecución de Jane Grey es una pintura al óleo del pintor francés Paul Delaroche, fue pintado en 1833, mide 246 x 297 cm, se encuentra en la National Gallery de Londres

 

El cuadro muestra de forma realista el momento que precede a la ejecución Jane Grey, la joven tenia 17 años lleva un vestido de blanco, los ojos vendados, la ayuda a arrodillarse Sir John Brydges que estaba de guardia en ese momento, era Teniente de la Torre, delante de ella se encuentra la pica de decapitación, la paja que la rodea està dispuesta para absorber la sangre de la joven, a la izquierda en el segundo plano se encuentran dos damas de honor, estan desoladas por lo que va a ocurrir, la que està màs alejàda dà la espaldas al espectador, a la derecha se encuentra el verdugo apoyado en el hacha afilada. La sala es de estilo romànico en ella reina la obcuridad, solo el vestido de la reina destronada emite una luz cegadora que ilumina la escena.

Delaroche realizó este cuadro trecientos años despues de la ejecución de Jane Grey, para situar la decapitación leyó todo lo relacionado con el acontecimiento escritos en el siglo XVI, lo que le han permitido reproducir lo màs fiel posible los vestidos de los personajes.

Jane Grey era protestante, fue la heredera de Edouard VI, la proclamaron reina de Inglaterra a la edad de 16 años en 20  de Julio 1553, destituida 9 dias despues de su coronamiento y decapitada junto a su marido el 12 de febrero 1554 en la Torre de Londres por orden de Maria Tudor, pretendiente del trono inglés. El reinado de Jane Grey fue el màs corto de la Historia de Inglaterra, duro solo 9 dias, Jane era hija de Maria hermana del rey Henry VIII, estaba muy unida a su primo Edouard VI hijo de Jane Seymour, cuando Edouard VI estaba a punto de morir nombró a Jane Grey para que sucediera en el trono, esperaba de esta forma mantener la reforma anglicana, el rey no queria que su hermana Maria Tudor (Catolica) tomara el poder. El 10 de julio de 1553 Jane fue rapidamente coronada en el Torre de Londres. 

              

Ese mismo dia Maria Tudor se proclamó reina de Inglaterra en Norfolk, culpó a Jane de alta trahición, el juicio tardó en llevarse a cabo, el 12 de febrero de 1554 Lady Jane fue fue ejecutada en el patio, en "Toweer Green", frente a la Capilla St Peter ad Vincula (donde està enterrada).

Se sabe que las ejecuciones se llevaban acabo al exterior de la Torre de Londres en un lugar conocido como "Tower Green", en este mismo lugar fueron ejecutadas Anne Bolena y Catherine Howard, (segunda y quinta esposas de Henri VIII) el pintor estaba al corriente en 1872 viajó a Londres para impregnarse del ambiente, representó la escena sobre una tarima, similar al que utilizaron en Francia para las ejecuciones de los reyes y de la nobleza, durante la Revolicion Francesa, todo està dispuesto como si fuera la representacion de una obra de teatro.

El cuadro fue expuesto por primera vez en el Salón de 1834, causó un gran impacto en el pùblico. En ese momento la pintura de Historia estaba en crisis  despues de la Revolución Francesa de 1789, pues los temas eran preferidos por la monarquia y la aristocràcia. 
En el siglo XIX aparecieron nuevas clases sociales como la burguesia preferian divertirse y emocionarse, el pintor Paul Delaroche con su cuadro hizo llorar de emoción a los visitantes del Salón.

En 1834, Paul Delaroche (1797- 1856) era uno de los pintores màs célebres, su cuadro fue realizado durante la monarquia de "Julio" durante la Restauracion Francesa, la ejecución de la reina Jane Grey, evocaba la muerte idéntica de la reina Francesa Marie-Antoinette, los pintores que habian sido monàrquicos intentaban reflejar episodios de la historia Inglesa como analogia de la historia Francesa.

 A finales del siglo XIX los cuadros historicos pasaron de moda con la llegada de las nuevas corrientes como el Impresionismo y sobretodo la fotografia.

El cuadro lo compró un noble ruso, el conde Anatole Demidoff, lo instaló en su palacio de Florencia. A su muerte, en 1870 el cuadro tuvo varios propietarios. Posteriormente fue adquirido y trasladado a Inglaterra por Lord Cheylesmore. En 1902 sus descendientes la donaron a la National Gallery de Londres. El museo estaba especializado en la Pintura del Renacimiento. El cuadro fue confiado a la Tate Gallery que no supo donde instalarlo, el lienzo fue enrollado y llevado a las reservas situadas en el sotano del Museo. En 1928 el rio Tamise se desbordó e inundó los sotanos, el cuadro sufrió grandes daños hasta el punto de iliminarlo del inventario de la Tate. En 1973 un investigador de la Tate estaba preparando una monografia sobre el pintor John Martin, lo descubrió por casualidad, el cuadro fue restaurado y presentado al pùblico en 1975. El cuadro ha ocupado su puesto en la National Gallery,  es uno de los preferidos de los visitantes, se puede constatar por el parquet es el màs desgastado de todo el museo.

Jane Grey es considerada para la opinión pública como una mártir de la causa protestante, masacrada finalmente por una monarquía católica intolerante. 

viernes, 21 de junio de 2013

Muecas y Miserias, los saltimbanquis

Muecas y Miserias, los saltimbanquis, (1887-1888) es el titulo del cuadro de Fernad Pelez, es oleo sobre lienzo  mide 114,6 X 292,7 cm. conservado en el Petit Palais de Paris

  Fernand Pelez,Muecas y Miseria: los saltimbanquis,© Droits réservés

El cuadro de "Los Saltimbanques" fue presentado en el Salón de 1888 con el titulo de "Grimaces et Misères", lo compró "la Ville de Paris" en 1914, un año despues del fallecimiento del pintor.

La pintura representa a un grupo de personajes que trabajan en un circo ambulante, todos estan presentes en el escenario, el pintor los representó en tamaño natural.

La obra se caracteriza por su colorido y por su composición. El pintor dividió el cuadro en cinco partes de diferente tamaño esto le sirvió al artista para organizar la distribución.

Cada division sirve de apoyo a uno de los personajes:
- En el primer panel està solamente representado un tambor.
- En el segundo el niño, està llorando apoya su cabeza en la madera que sirve de separación, tiene en sus manos los palillos del tambor.
- El tercer espacio està ocupado por un gran tambor, en la madera que sirve de separación està colgado un timbal, detras entre las cortinas se oculta una mujer puede ser la madre de familia, que espera su momento para entrar en el escenario.
- En el cuarto espacio estan los payasos son personajes principales.
- En el quito espacio la orquesta compuesta por tres personajes son mayores y parecen cansados.

Cada espacio esta ritmado por  instrumentos de mùsica: tambores, timbales, trompetas.

Pelez ha representado en cada division las edades del hombre: juventud, madurez, vejez.

Un enano està sentado le dà la espalda a los payasos, este personaje recuerda a los bufones de la Corte, su trabajo consistia en hacer reir a los reyes y cortesanos era el ùnico que podia ser insolente delante de los Monarcas.

El payaso vestido y maquillado de blanco, tiene una apariencia digna inteligente y autoritaria, lleva los colores tradicionales: blanco y rojo, en su traje tiene dibujado un gran sapo de color rojo el mismo color que la cortina del fondo. Es el ùnico personaje en movimiento baja las escaleras cantando se dirije hacia los espectadores.

El payaso a su derecha es el "Augusto", lleva una peluca grotesca, su papel es contradecir e incordiar al payaso blanco con su intervención desbarata todas las iniciativas, hace reir pues lo hace de forma inocente. Este personaje representa en el cuadro al padre de familia, propietario del circo, cruza sus manos sobre su vientre.

En el ùltimo panel se encuentran los viejos mùsicos, tienen el aspecto cansado, sus mirada se pierde en la lejania, parecen no tener fuerzas para seguir soplando sus trompetas, estan ahi porque no tienen otro sitio que los acoja.

En las caras de los personajes se vé reflejado el cansancio y el hambre. Una vez que el telon se baja, cada personaje se quita el maquillaje y la ropa, las sonrisas y alegrias desaparecen. En esta época los actores de circo eran marginados de la sociedad, cada uno lleva su tristeza y desesperación fuera de la pista.

El circo, como lo conocemos hoy dia, tiene muy poco que ver con los antiguos recintos y anfiteatros romanos y griegos. Se han transformado con el tiempo, los saltimbanquis eran itinerantes entrenaban osos, monos, cabras, caballos, perros exibian sus habilidades en las ferias de los pueblos para distraer a los comerciantes y compradores. A finales de la Edad Media las ferias se convirtieron en un lugar de entretenimiento, los artistas tuvieron un papel importante.

Fue en el siglo XVIII cuando se hizo la transición entre el circo antiguo y el circo moderno, con la incorporación de las nuevas técnicas y una infraestructura mucho màs elaborada.

El cambio comenzó en Inglaterra en 1768, cuando el ex sargento Philip Astley (1742-1814) aprendió sin desearlo un truco: encontró que si galopaba en círculo mientras se paraba en el lomo de su caballo, la fuerza centrífuga contribuía a que mantuviera su balance. Para realizar su truco construyó un escenario público. Pronto incorporó un payaso "Mr. Merryman", músicos, malabaristas, y otros actores a su establecimiento, al tiempo que añadió un escenario para actuaciones más dramáticas, como el de los funámbulos, agregaron intermedios con humor, de esta forma lograron un show integral de alto nivel. El expectàculo se extendió desde Inglaterra a Francia, Italia y a varios paises de Europa asi nació una nueva historia del circo.

Los pintores quedaron fascinados por el espectàculo que ofrecia el circo, comenzaron a incluir ciertas escenas en sus lienzos. En Italia estaba de moda la "Commedia dell Arte" algunos pintores como Guardi, Tiepolo, Longhi tomaron como modelos a Polichinela, Arlequin, Pantaleon. Los artistas vencianos evocaron en sus lienzos el carnaval de Venecia.

Fernad Pelez nunca conoció el éxito en su vida, sus cuadros mostraban la miseria humana, detràs de la magia del espectàculo, la sociedad no queria verla.

Rimbaud escribió unos versos:

“J’aimais les peintures idiotes, dessus de porte, décors,
toiles de saltimbanques, enseignes, enluminures populaires ;
petits livres de l’enfance, opéras vieux, refrains niais,
rythmes naïfs”
Arthur Rimbaud, Une Saison en Enfer, 1873, Délires, II,
Alchimie du Verbe

miércoles, 5 de junio de 2013

La muerte de Leonardo da Vinci -Ingres-

La Muerte de Leonardo da Vinci, es un cuadro de Jean-Auguste-Dominique Ingres fue pintado en 1818, óleo sobre tela 40 X 50 cm, se encuentra en el Petit Palais (Paris). 

              Image illustrative de l'article La Mort de Léonard de Vinci

El cuadro representa la muerte de Leonardo da Vinci en brazos del rey de Francia François I.

El tema fue representado varias veces en el siglo XVIII.

Fue un encardo del Conde de Blancas, embajador de Louis XVIII en Roma tambien fue un personaje influyente durante la Restauracion francesa. 

La tragedia se desarroya en el interior de una habitación, el ella hay una cama a baldaquino rodeada de unas cortinas rojas es en su interior tiene lugar la tragedia.

Leonardo viajó a Francia en 1516 invitado por François Ier, el rey queria introducir en Francia el arte italiano, por este motivo llamó al artista màs grande de su tiempo, cuando Leonardo llegó a Francia le concedieron el titulo de "Premier peintre, ingénieur et architecte du roi" se instaló en el castillo de Clos Lucé (cerca de Amboise).

                 Image illustrative de l'article Château du Clos Lucé
La escena representada es ficticia, fue tomada del libro "Las vidas de los màs ilustres pintores, escultores y arquitectos" de Giorgio Vasari, publicado en1550. El acontecimiento es falso pues en el momento de la muerte del pintor el rey se encontraba en el castillo de Saint-Germain-en-Laye. La leyenda se basa en la interpretación de un epitàfico leido por Giorgio Vassari (aunque este epitàfico no se ha encontrado en ningun monumento) decia "Sinu Regio" puede significar "sobre el pecho del rey" o tener un sentido metafórico "el afecto de un rey" haciendo alusión de la muerte de Leonardo en un Castillo Real (Clos Lucé). Lo ùnico que sabemos de la muerte de Leonardo da Vinci es que su secretario desde hacia 10 años estuvo presente cuando murió el artista.

El cuadro forma parte del estilo trovador, este estilo artistico surgió en Francia como reacción al estilo "neoclàsico" a el se adherieron pintores, escultores y arquitectos, en sus obras intentaban idealizar la Edad Media y el Renacimiento. En pintura los artistas emplearon la técnica de la pintura holandesa del siglo XVII, la pincelada es lisa y colorista, los detalles tienen mucha importancia, sus temas son históricos y moralizadores. El primer lienzo de este estilo fue expuesto en el Salon de 1802 (Paris), el movimiento termino con el Consulado.

Dominique Ingres se interesó por el estilo trovero, muchos de sus cuadros tomaron como modelo la História de Francia y de la Edad Media. El pintor para realizar los personajes que componen la escena tomó nota de los cuadros expuestos en el Museo del Louvre (Paris), para el retrato de François Ier, el pintor copio el retrato del rey pintado por Tiziano en 1528.

                                 

La figura de Leonardo fue una creación de Ingres, se puede comprobar la forma del cuello tipica en diferentes lienzos del pintor. A parte del  rey y del gran maestro Ingre añadió una serie de personajes secundarios.

Leonardo da Vinci dictó su testamento delante del notario el 23 de abril de 1519, en él legó el cuadro de la Gioconda al rey François Ier, y los carnet, obras... a su secretario Francesco Melzi.

Leonardo da Vinci murió el 2 de mayo de 1519 a los 67 años, en el castillo de Clos Lucé.

                     
  
Veinte años despues de su muerte François I dijo : « Il n'y a jamais eu un autre homme né au monde qui en savait autant que Léonard, pas autant en peinture, sculpture et architecture, comme il était un grand philosophe ».