Es una de las primeras obras que se le puede atribuir con toda exactitud a Roger Van der Weyden.
El retablo estaba situado en el altar de la capilla "Notre Dame, Hors-les-Murs" de Louvain, la capilla pertenecia a la guilda o cofradia de ballesteros de la ciudad, estos encargaron el cuadro al pintor,
La parte superior fue ampliada para prolongar la cruz.
El cuadro estuvo en la capilla màs de 100 años hasta que Maria de Hungria, regente de los Paises Bajos (hermana de Carlos V), lo compró, en su lugar pusieron una copia realizada por Michael Coxcis.
La regente lo instalo en su castillo de "Binche", 1551 Vicente Alvarez escribio: "Era el cuadro màs bellos del castillo, incluso, yo creo, que del mundo entero, porque yo he visto en esas regiones numerosos cuadros buenos, pero ninguno lo iguala en la forma o en la devocion. Todos aquellos que lo han visto piensan igual que yo".
A la muerte de Maria, el cuadro lo heredo su sobrino Felipe II de España (1527-1598), lo colocó en el pavillon de caceria del Prado. El 15 de abril 1574, el cuadro fue instalado en Monasterio de San Lorenzo del Escorial, se le añadieron dos cuadros en los laterales (triptico).
La escena representa un episodio de los Evangelios, los acontecimientos que siguieron la muerte de Cristo, San Mateo, San Marcos y San Lucas nos dicen que José de Arimatea, era un discipulo secreto de Cristo, obtuvo de Pilatos la autorización de recuperar el cuerpo de Cristo, lo descendió de la cruz, lo envolvió en un lienzo blanco, lo acompañaban las Santas mujeres, depositaron el cuerpo en el Sepulcro.
En el centro, el cuerpo de Cristo atrae la mirada del espectador, està sostenido por dos hombres, lo presentan de cara al observador, por llagas la sagre se desliza a lo largo del cuerpo.
José de Arimatea lo coge por las axilas, és un hombre major, tiene el pelo y la barba blanca, lleva la "Kipà" de color violeta, recibe el cuerpo de Jesus sobre un lienzo blanco, un miembro de la cofradia de ballesteros sirvio de modelo del personaje.
Maria, la Madre de Jesus, se desploma de dolor, San Juan Evangelista la sostiene.
El joven montado en la escalera vestido de blanco es Simon el Cyrineo, ayuda a descolgar y a bajar el cadáver.
Maria Salomé, esposa de Cleofàs se seca las làgrimas con un pañuelo, estuvo presente en la cruxifision, (es una de las 3 Marias).
A la derecha, Nicodemo, està representado como un personaje rico, vestido suntuosamente, tiene un abrigo de brocado lila y oro, coge con las dos manos las piernas de Cristo.
Detràs de Nicodemo hay otro personaje con barba sostiene el tarro de perfumes.
Maria Magdalena, està de perfil, con el vestido gris-verde con las mangas rojas, se inclina hacia los pies de Cristo, lleva un cinturon con una inscripción: IHESVS MARIA.
San Juan Evangelista, junto con Maria Cleofàs sostienen a la Virgen.
La calavera que està en el suelo representa el pecado de Adan y Eva, la muerte de Jesus es la redencion de esa falta.
El pintor representa a los personajes en una composicion magistral, estructurada, equilibrada, su intensidad expresiva, y el minucioso detallismo lo distingue de los pintores Italianos.
Las posiciones de Jesucristo y de la Virgen expresan las direcciones básicas de la tabla.
El acontecimiento se desarroya en un espacio donde la profundidad es reducida, si se oberva bien hay cinco niveles de profundidad en el cuadro: La Virgen, el cuerpo de Cristo, los personajes que llevan el cuerpo, la cruz, y el personaje de la escalera.
La postura del cuerpo de Cristo, tiene la forma de una "ballesta", (hace alusión a la cofradia que encargó el cuadro).
- Powel sostiene que en la "Teologia medieval", se produce una metàfora entre el cuerpo de Jesus en la Cruz y una ballesta tensada.
- Heinrich von Neustadt escribió: "El estaba tendido sobre la cruz... y sus brazos estirados como la cuerda de un arco".
Van der Weyden, en el cuadro representa los brazos de Cristo como si fuera una ballesta que acaba de tirar su flecha.
La figura de San Juan muestra una curva "(" como si fuera un parentesis, se corresponde con la figura de Maria Magdalena " )" a la derecha, los rostros de los personajes están alineados horizontalmente.
En los vestidos se ven reflejados la clase social a la que pertenece cada personaje, Van der Weyden gracias a la técnica del óleo, puede pintar con preciosismo las calidades de las telas: vison, seda, brocados, raso azul...
El color azul de ultramar del vestido de la Virgen, indica el alto precio que pagaron por el cuadro, pues el pigmento azul se obtenia del "Lapislazuli" era importado de Afganistan.
El fondo es liso (no hay un paisaje), de este modo, las figuras parecen esculturas policromadas, estan representada en un nicho con los bordes dorados, el artista recreó con trucos ópticos de un grupo escultórico, para ellos incluye en "trampantojo" (ilusion optica) unas tracerias góticas en los angulos, estos ornamentos eran comunes en retablos escultóricos y en nichos funerarios, los retablos escultóricos eran más costosos que los pintados.
El fondo de oro tiene un sentido simbololico, representa la eternidad, lo divino, la ausencia de paisaje en el cuadro centra la atencion en las figuras, lo ùnico que hace alusion al paisaje, son las piedras del suelo y la planta que hay al lado de la calavera.
El empleo del color dorado es un elemento caracteristico del gótico, este estilo se desarrolló en Borgoña, Bohemia y el norte de Italia a finales del siglo XIV y principios del siglo XV, en este periodo los pintores viajaban por Europa, creando una estética común, los cuadros son màs réalistas, utilizaban los colores primarios (rojo, amarillo, azul), de las tablas ùnicas, pasaron a los dipticos, tripticos, y a polipticos, otra de las caracteristicas de este estilo es la introducción como aglutinante el aceite, lo que dio lugar a la pintura al óleo (El óleo sobre lienzo se hizo popular en los siglos XV y XVI, fue el punto de partida del arte renacentista).
Lo que hace que la obra sea ùnica en este periodo, es el desmayo de la Virgen Maria, se desploma en una posicion semenjante a la de Cristo, incluso el numero de personajes que la sostienen, esta postura es una novedad en el arte de los "Primitivos Flamencos".
El cuadro en si no se limita solo a la belleza plàstica, tiene una gran fuerza y con gran claridad expresa la unidad del grupo de parientes y amigos, reunidos en torno al cadaver, todos sufren a su manera por su muerte, cada uno y segun su temperamento muestra el dolor que sienten: Maria se desmaya, José de Arimatea se controla, San Juan, el apostol favorito de Jesus llora, sus lagrimas sorprenden por su realismo.
La obra formó parte de las pinturas que salieron de España hacia Ginebra, para protegerla durante la gerra civil española, a su regreso en 1939 fue incluida en la colección del Museo del Prado,
El descendimiento de la cruz, fue copiado atraves de los años, devió ser famoso nada más realizarse, porque en el año 1430 se hizo una réplica por un pintor desconocido para la capilla de una familia de Lovaina en la iglesia de San Pedro, esta réplica se encuentra expuesta en el Museo Stedelijk de Lovaina.
El mensaje del cuadro es la Redención de los hombres a través de la Pasión, fue oncebido para representar la eucaristia, pues durante la misa el pan y el vino se combierten en el cuerpo y la sangre de Cristo.
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