lunes, 30 de abril de 2012

La Gran Ola de Kanagawa

La Gran Ola de Kanagawa es una célebre estampa japonesa, realizada durante el periodo "Edo" (1830 o 1831) por el pintor japonés Katsushika Hokusai.

The Great Wave off Kanagawa
Una ola gigante està a punto de tragarse 3 barcas con sus tripulantes.

Dos paisajes estan representados: uno marino, el otro terrestre, al fondo se ve el monte Fuji con nieve esto dota a la pintura de una impresi
ón de profundidad.

             


El monte Fuji es considerado como un símbolo de identidad Japonés, està presente en una gran cantidad de grabados japoneses.

La ola està a punto de romper sobre las fràgiles embarcaciones, forma una espiral perfecta cuyo centro pasa por el centro del dibujo, esto permite ver al Monte Fuji al fondo

Hay un contraste entre la enorme la ola en primer término y el Monte Fuji que parece muy pequeño su cuspide es blanca a causa de la nieve, al igual que las olas, son blancas con la espuma.

Fichier:Kanagawa-oki nami-ura - 2 waves or 2 Fuji.jpg

En la estampa se puede observar tres tipos de olas, una plana, otra màs fuerte es de la misma altura que el monte Fuji, la tercera es una enorme ola
se impone por su estetica suntuosa y su silueta que se enfrenta contra el cielo formando unas lineas sinuosas, la espuma de su cima rompe en multitud de olas parecen garras de tigre o de dragon dispuestas a destrozar las fràgiles  barcas y a los personas que van en ellas.
          

Detalle de la cresta de la ola, de aspecto similar al de unas «garras».

El cielo es tormentoso, esto hace que la imagen sea màs agobiante.

La perspectiva muestra la maestría del autor, la empleó despues de conocer los grabados holandeses de ellos aprendió el claroscuro y la perspectiva.

Esta estampa trata dos Universos de la pintura Asiatica influenciada por el Budismo: uno el Japonés del siglo XIX, el otro el Chino del siglo XVII.


El complemento de la montaña (tierra), es el agua del (mar, nubes, nieve), esto anuncia un aspecto mistico y espiritual de la naturaleza, segùn el pensamiento Taoista, la montaña es un simbolo masculino, mientras que el agua es femenino (el Ying y el Yang) son los dos aspectos complementarios del mundo.
 

En el budismo Zen, el vacio no esta considerado como tal, no es una laguna o una falta de algo, para ellos es una noción positiva, lo vemos en la imagen, Hokusai ha dejado "vacio" el papel en blanco representa la espuma de las olas, o la blancura de la nieve del monte Fuji, los utilizó como un espejo para representar el mismo elemento (el agua) del mar y de la nieve.
 

Si la imagen tiene tal fuerza es porque es una instantànea breve y amenazadora, como en las peliculas de suspense de Hitchcock. El artista muestra el instante dramàtico, crucial de los marineros embarcados en 3 botes de carga, segùn la tradición solian medir 12 metros, a partir de esta medida se puede estimar la altura de la ola, (unos 15 metros), el suspense es latente, no se sabe si al final se salvaran.

Estas barcas iban cargadas de pescado, frutas y legumbres prodecentes de la region costera de Kanagawa para venderlos en la nueva capital "Edo" (actualmente Tokyo). La tormenta los tuvo que sorprender o bien la mercancía que llevaban tenia que ser muy valiosa pues los marineros no esperaron a que amainara la tormenta, se lanzaron al mar arriesgando sus vidas para transportarla

La Ola pertenece a la serie publicada por Hokusai entre 1831 y 1834 "Las 36 vistas del monte Fuji", serie a la que el artista añadira 10 vistas màs, los gravados pertenecen al Ukiyo-e del periodo Edo.

El papel que utiliz
ó era especial el "Washi" lo fabricaban en Echizen, con la corteza del un morero, una cola vegetal y agua, en este lugar era muy limpia.

Las primeras estampas japonesas llegaron a Europa como papel para envolver las ceràmicas japonesas.

Las primeras estampas japonesas llegaron a Europa como papel para envolver las ceràmica japonesa.


El compsitor Claude Debussy tenia una reproducci
ón de "La Gran Ola" en la habitación donde trabajaba, le rindió un tributo a "La Mer" en 1905, el pintor Claude Monet tenia una copia. Vincent Van Gogh escribió a su hermano Theo sobre las imàgenes de Hokusai: Como tù dices las olas tienen garras y las barcas estàn atrapadas en ellas.
 

Los pintores Impresionistas se inspiraron de la obra de Hokusai: Gauguin, Van-Gogh, Monet, esto va a dar lugar a una corriente pictorica europea el "Japonismo".

La imagen de la ola ha recorrido el mundo entero en: postales, poster, en tejidos, en estampas. 


Hokusai la pintó cuando tenia 70 años.   Muchos museos conservan ejemplares de ellacomo: el Museo Guimet y la Biblioteca Nacional de Francia (Paris), el Metropolitain Museum of Art (Nueva York), el British Museum (Londres).

miércoles, 25 de abril de 2012

La Melancolia I

La Melancolia 1, es un gravado en cobre realizado por Alberto Durero en 1514 se encuentra en la Biblioteca Nacional (Francia).
  

Dürer Melancholia I.jpg

El gravado representa en el primer plano una figura con alas (hipoteticamente un àngel) hace alusion al titulo del cuadro su inactividad y por la expresión de su cara, parece cansada, meditativa y triste, coronada por una guirlanda de berros (antidoto contra la melancolia), està sentada en un banco de piedra cerca del mar, la cabeza apoyada en una mano tiene el puño cerrado, la otra mano sostiene un compàs que reposa sobre un libro cerrado, del cinturon cuelgan un conjunto de llaves,a su lado se encuentra un "putto" (los putti son figuras de niños alados, en italiano putto significa niño) sus pies estan apoyados en una rueda de molino, a su lado se encuentra un perro labrador, herramientas de carpinteria, y de arquitectura, (tenazas, tres clavos), un tintero, una pluma, una esfera y un poliedro de piedra, sobre el muro hay una balanza, un reloj de arena, una campana y un cuadrado màgico dividido en casillas con nùmeros (muy parecidos a los nùmeros actuales), un murciélago sostiene una cartela  donde està escrita la palabra "Melancolia I" (titulo del cuadro),
una cometa en el centro del arco iris, hay una escalera apoyada contra la pared, sabemos que la escena se desarroya de noche, por la sombra que la luna proyecta sobre el mar y los objetos. La forma de representar el espacio es tipica de los pintores del Renacimiento.

A Abercht Durero (1471-1528) es considerado como el artista màs famoso del Renacimiento Aleman, era 20 años màs joven que Leonardo da Vinci, hacia el 1500 comenzó a interesarse en la relación que mantenian las matemàticas y el Arte, se cree que el artista fue influenciado en sus estudios por Leonardo y el matemàtico Luca Pacioli.

Durero se inspiró de un tratado (1510) titulado "De occulta philosophia" del médico y mistico aleman Heinrich Agrippa Von Nettesham.

La Melancolia I, es el gravado màs famoso de Durero, està asocida a otros dos gravados:
"El caballero, la Muerte y el Diablo" (1513)


   

y "San Jerónimo en su celda" (1514),

 San Jerónimo en su celda

cada uno de ellos representa una virtud, los tres gravados recibieron el nombre de "Meisterstiche", (gravados Magistrales)

La palabra Melancolia viene del Griego "melas" (negro) y "chole" (bilis), la Melancolia se conocia tambien como "bilis negra".

Es un gravado alegórico, este género estaba muy de moda en el Renacimiento, el tema representado esconde un código de significaciones ocultas.

-El angel representa la idea de transformar metales ya en alquimia 
son seres hermafroditas
-El cometa y el murcielago representan la noche, la obcuridad, son los 
mensajeros de mala suerte.
-La balanza, hace referencia a la noción de "juicio", aqui puede tener 
relación con un juicio 
apocaliptico, reforzado por otros elementos del gravado
-El reloj de arena simboliza el tiempo que pasa, esto refuerza a la 
figura del primer plano, parece estar esperando, los dos recipientes 
tienen la misma cantidad de arena lo que sugiere un cierto equilibrio 
estàtico al igual que la balaza o la campanilla. Encima del reloj de 
arena hay un reloj solar, la aguja no proyecta ninguna sombra, 
mientras que la sombra del reloj de arena està bien marcada en el 
muro, esto muestra que siguiendo la diagonal la fuente luminosa 
se devia encontrar en la parte izquierda del gravado. La balanza y 
el reloj de arena, son los símbolos de Saturno, asociado con la alquimia
, al color negro, y al plomo como metal alquimico, tambien està 
relacionado con la vejez y la muerte.
-La rueda de molino, símbolo de la «vía seca», uno de los métodos para
 la obtención de la Gran Obra, y también emblema de la putrefacción, 
la rueda de molino puede hacer referencia a la rueda de la 
fortuna
-Las llaves estan revueltas colgando del cinturon, simboliza el estravio 
mental, pero tambien el desinterés por las posiciones materiales. 
-El compás del ángel representa la universidad, porque permite 
dibujar al circulo perfecto, està abierto 30 grados. 
El centro geométrico del gravado se encuentra en la punta del compàs.
 -Las escuadras y reglas son signo de rectitud y medida, representan al 
conocimiento. 
-Todas esas herramientas dispuestas en el suelo nos hablan del trabajo 
alquímico. 
-La escalera de siete peldaños indicaría los pasos que debe seguir el 
alquimista, la escalera està asociada al mismo tiempo a las siete Artes 
Liberales (gramàtica, dialéctica, retorica, aritmética, geometria, 
astronomia, mùsica).
-La esfera y el poliedro aludirían a la geometría como base de la 
alquimia, al lado del poliedro 
se encuentra un mortero utilizado por los alquimistas, el poliedro es 
irregular.
-El cuadrado situado en el muro detràs del angel, es el màs conocido 
y el màs enigmàtico, se trata de un "cuadrado màgico". 
Un cuadrado mágico es la disposición de una serie de números enteros en un cuadrado de forma tal que la suma de los números por columnas (3+10+6+15=34) o (13+8+12+1=34) o (2+11+7+14=34),
en el sentido de las agujas del reloj a partir de la casilla con el nùmero
 (3+8+14+9=34), tambien en sentido contrario a partir del 
(2+8+9+15=34), diagonales (4+6+11+13=34).      

La fecha cuando el gravado se hizo (1514) figura en el centro abajo 
del cuadro.
El cuadrado mágico tiene función de talismán protector contra las 
malas influencia,que se ven representadas por casi todos los demas 
elementos de la obra.

El 4 es el nùmero del equilibrio y la estructura, con sus 4 lados, 
4 casillas (horizontales y verticales). 
Los nùmeros que figuran van del 1 al 16.

Los cuadrados màgicos se encuentran en el esoterismo judio e islàmico,
 estan asociados a los conocimientos secretos que fueron transmitidos 
por los cristianos que lo aprendieron de los àrabes.
Desde la Antiguedad hasta el Renacimiento (la epoca de Durero) la Melancolia era uno de los cuatro humores del hombre, cada uno de ellos està asociado a:
-los cuatro elementos.
-las cuatro estaciones del año.
-los cuatro vientos.
-los cuatro puntos cardinales.
-las cuatro edades del hombre.
-las 4 fases de la alquimia, ligada a los 4 colores (negro, blanco, amarillo y rojo).
-las cuatro fases de la luna.
-los cuatro temperamentos (
colérico, sanguineo, flemàtico, melancolico).

La Melancolia era el peor "humor", estaba asociada a la tierra, la sequedad el frio,
el viento Boreal, al otoño, la tarde.


La Melancolia simboliza la esfera intelectual dominada por el planeta Saturno, crea una conexión entre el mundo racional de las ciencias y el mundo imaginativo de las artes.

- Segùn Aristoteles: "Los melancólicos son naturaleza serias dotadas para la creacion espiritual".

En el Renacimiento se reivindicó la figura del Melancólico como un reflejo de genialidad y creatividad artistica.

- El filosofo neoplatonico "Marsilio Ficino" (1433-1499) ensalzó el temperamento del melancólico, el planeta Saturno estaba relacionado con este temperamento, reconocia el caracter negativo del planeta y recomendaba para protegerse él el uso de talismanes.

- Lutero dijo: "Las matemàticas hacen melancólicos a los hombres, igual que la mediciona los hace enfermos o la teologia pecadores".
- Erwin Panofsky, penso que la Melancolia I era un "autoretrato espirual" de Durero.


Este gravado ha sido objeto de numerosos estudios, el "I" se refiere a la primera de los tres tipos de melancolia definidos por el escritor aleman Cornelius Agrippa.

 
Segùn las palabras de Heinrich Wölfflin en 1923 este gravado serà siempre un "tema de interpretaciones infinitas".


Carré magique de Dürer

martes, 17 de abril de 2012

El vinagre

El descubrimiento del vinagre y su capacidad para conservar los alimentos, junto con sus propiedades digestivas a favorecido su desarroyo.

            

Su historia va ligada a la del vino, este se transforma en vinagre cuando las bactérias que se encuentran en el aire entran en las botellas mal tapadas, el vino se vuelve agrio "vino-agrio" (vinagre). Fue sin duda el primer antibiótico natural. .

Los antiguos babilónios (5000 a.j.c) utilizaban el vinagre como remedio para las enfermedades infecciosas, con él desinfectaban los instrumentos, ropas y las habitaciones de personas enfermas, comerciaban con el vinagre de dátiles, permitía que la carne de la caza se conservase durante más tiempo y tomase un buen sabor.

En Egipto se han encontrado residuos de vinagres en una urna del año 3000 a.j.c.

Segùn la leyenda, Cleopàtra conocia sus propiedades, hizo con Marco-Antonio una apuesta para ver quien podia comer en un solo banquete una comida cuyo precio ascendia a un mill
ón de sestercios, cuando ya habian terminado de comer, en un recipiente lleno de vinagre hecho una perla de ese valor, al final de la fiesta bebio el contenido, Marco-Antonio se quedo de piedra pues la perla se habia fundido, y Cleopatra gano la apuesta.

              


En China unos textos que datan del año 1200 a.j.c hablan de la historia del vinagre.

Los Griegos y los Romanos mojaban el pan en un plato que contenia: vinagre, aceite de oliva, miel, y especias (se sigue haciendo hoy dia en las ensaladas). Solian beber agua con vinagre para eliminar las bacterias, lo consideraban màs digestivo que el agua.


En el año 400 a.j.c. Hip
ócrates (el padre de la medicina) lo consideraba unprescribia el vinagre de manzana mezclado con miel para curar: infecciones, la tos y los resfriados, y los soldados romanos se curaban con vinagre las heridas.

En Roma el "Acetum" designa la la vez el aceite y el vinagre.
      

                 SEVILLA

El General Cartaginés Anibal atraves
ó los Alpes en el año 218 a.j.c con los elefantes, sobre las rocas que les impedian avanzar, mandó echar sobre ellas vinagre hirviendo, lo que las hacia abrirse por mitad.

En la Edad Media el vinagre era muy apreciado al igual que las especias (gengibre, canela, clavo, pimienta).

En Francia en 1394 se cre
ó la corporacion de los "vinagreros", tenian el monopólio para fabricarlo y comercializarlo.

    
        
Los alquimistas europeos lo utilizaban virtiendolo sobre el plomo, esto producia una sustancia llamade "azucar de plomo", fue utilizada hasta el siglo XIX par endulzar la sidra, desgraciadamente le acetato de plomo era un veneno, causó la muerte a numerosos bebedores de cidra.

               

Los soldados lo utilizaban, junto con otros elementos abrasivos (como la arena), para limpiar y pulir las piezas flexibles de la armadura.

No se permitía que ningún barco se echara a la mar sin asegurarse antes de que llevara una buena provisión de vinagre en sus bodegas, con él mantenian los alimentos en buen estado, desinfestaban las cubiertas, y mantenian limpios los camarotes.

                   

A partir del siglo XV, el azucar se incorporó a la comida, los savores dulces rivalizaron con los savores fuertes de las especias y el sabor acido y agrio del vinagre.

                 

Segùn cuentan, el rey de Francia Louis XIII (1601-1643), pag
ó hasta 1,3 millones de francos por batalla en la compra de vinagre, se vertia sobre los cañones calientes, el vinagre no solamente servia para refrescarlos, tambien los limpaba evitando la formación de óxido.

En el siglo XVII aparecieron las verduras marinadas en vinagre, las màs apreciadas eran los pepinillos, tambien conservaban los pescados: sardinas, atun.


Las damas de la corte de Versalles cuando se bañaba solian hechar vinagre en el agua.

Los aristocratas tenian unas cajitas llamadas "vinagreras" donde guardaban unas esponjas impregnadas de vinagre, la utilizaban contra los malos olores corporales y de las calles.

El vinagre fue utilizado por los alquimistas hasta el siglo XIX, vertian vinagre sobre el plomo, esto producia una sustancia llamada "azucar de plomo", servia para suavizar el gusto de la sidra, por desgracia esta sustancia tambien era un veneno, causo la muerte a muchos de sus bebedores.

                


La Biblia lo nombra varias veces en el Antiguo y Nuevo Testamento, en el libro de (Rut: 2, 14): "Despues de haber recogido las espigas del campo, Rut fue invitada por Booz a comer pan mojado en vinagre".
Jesùs en la Cruz, dijo que tenia sed y los soldados le acercaron una esponja mojada en agua y vinagre.


A partir de 1865, Louis Pasteur establecio el proceso para su fabricaci
ón, el vinagre paso de ser un producto artesano a ser un producto industrial.

Louis Pasteur descubri
ó la bacteria "Microderma aceti", la cual fija el oxigeno del aire en el alcohol, debido a la fermentación las bacterias van creciendo, esto provoca la formación de un velo la "madre", cuando son muy numerosas las bacterias mueren y se depositan en le fondo de la cuba, el proceso se termina cuando el alcohol del vino se agota, quedando transformado en acido.
                 

El vinagre nunca debe ponerse en un recipiente metàlico de plomo, cobre, o hierro.


               

El vinagre tiene muchas virtudes: calma el dolor de las picaduras de insectos, las quemaduras, el dolor de cabeza.

Es un producto con pocas calorias, no tiene proteinas, ni materias grasas, ni vitaminas, pocos glucidos. Se utiliza como condimento, con él se hacen la salsa vingreta. Impide la oxidaci
ón de las frutas y verduras.

miércoles, 11 de abril de 2012

Santa Ana, La Virgen y el Niño

El cuadro es una de las obras maestras de Leonardo da Vinci, comenzó a pintarla en 1503 y la acabó 20 años màs tarde, es un óleo sobre tabla, se encuentra en el Museo del Louvre. 
                
Repesenta trés personajes y un cordero: Santa Ana, la Virgen Maria sentada en las piernas de su madre, el Niño Jesus tiene cogido por las orejas un cordero. La escena se desarrolla en un paisaje rocoso. Los personajes estan situados al borde de un precipicio, detràs de ellos hay un paisaje con montañas al fondo.
El pintor se inspir
ó para la iconografia de la "Leyenda Dorada" de Jacobo de Voràgine (obra del siglo XIII), pues la Biblia no menciona a Santa Ana, solo hablan de ella los Evangelios Apócrifos de Santiago y Mateo, escritos entre los siglos II y VI.

En el año 550 se construy
ó una iglesia en Constantinópla en honor de Santa Ana, su culto alcanzó su apogeo en la Edad Media, se esculpieron numerosas estatuas de Santa Ana, Maria y el Niño Jesus, las llamaron "Trinidad Mariana".


Desde el "Cuatrocento" la figura de Santa Ana, la Virgen y el Niño se inscribe en una pintura codificada, el tema fue tratado por: Masolino, Masàccio, Benozzo Gozzoli, Bernadino Luini, Cesare da Sesto, Bernadino Lanino, Jan Sanders Van Hemessen, Raphäel, Pontormo.

La historia del cuadro remonta al año 1499, el rey de Francia Louis XII encargó un cuadro de Santa Ana a Leonardo, (era la patrona de las madres) su esposa Ana de Bretaña acababa de dar a luz a su ùnica hija Claude.

Segùn Giorgio Vasari, el primer carton fue realizado un año màs tarde, fue expuesto en Florencia, tuvo mucho éxito durante dos dias lo visitaron muchisimas personas, la ver el trabajo de Leonardo quedaron maravillados de la proeza del artista, pues nunca habian visto nada parecido, el carton se encuentra en "La National Galerie" de Londres,
 

El carton està considerado como una de las primeras composiciones que el pintor hizo del cuadro.

En los cartones preparatorios, aparece San Juan Bautista, pero en la composición final fue remplazado por el cordero.

La sonrisa de Santa Ana nos recuerda a la sonrisa de la Gioconda, la cabeza inclinada hacia la derecha, mira a su hija.

Leonardo la pintó muy joven, su papel de madre està indicado por el velo que cubre su cabeza, era un atributo de las mujeres mayores, tambien su posición, domina al grupo, parece el personaje principal.


Maria es la figura que dà dinamismo a la escena, està en movimiento, su cara capta la luz, està pintada sin cejas segùn la moda milanesa de la época, mira como el Niño juega con el cordero con cierta melancolia, pues el cordero representa la Pasión, la mano de Maria se funde en el vientre de su hijo es como si sus dedos tocaran el cordon umbilical que la unia a su hijo, como madre quiere evitar el sufrimiento de su hijo, por eso intenta atraerlo hacia ella.
La composición es piramidal, es el comiezo del manierismo, las tùnicas ocultan los cuerpos, solo deja aparecer las caras y los pies de las mujeres.

El cuadro inspiró grandes artistas del renacimiento: Rafael, y a los pintores venezianos como Tiziano, Tintoretto, Correggio y Pontormo, los escultores Andrea Sansovino y Francesco da Sangallo.


Si se traza una diagonal, la linea pasa por las miradas, otras diagonales atraviesan el cuadro (brazos, piernas).

La frontalidad de las caras ha desaparecido
.

El dibujo està muy detallado, la capa depintura es muy fina, las pinceladas son ligeras.

 

El Niño con sus cabellos rizados (lo mismo que el cordero) no tiene ninguna aureola, tampoco està bendiciendo. Jesùs es el cordero de Dios, su sacrificio lavarà el pecado de los hombres.

En el primer plano hay un precipicio, (el pie de Santa Ana està inclinado), es una frontera que separa al grupo (divino) del espectador (humano), las rocas marones hacen eco con el paisaje del fondo azules.

El paisaje del fondo, se ven las montañas y caminos construidos segun la perspectiva atmosférica, Para dar la impresión profundidad al cuadro, Leonardo utiliza la técnica del sfumato (inventada por él)

Fue una técnica que se utilizó mucho durante el Renacimiento para dar mayor sensación de profundidad. La técnica consistente en difuminar los contornos, prescindir de la línea negra que contiene las figuras y lograr una atmósfera vaporosa y sugerente. El sfumato es gradual, los objetos se ven más borrosos cuanto mayor es la distancia entre ellos y el observador, la paleta progresivamente se va volviendo màs clara, hasta casi desaparecer a lo lejos.
    
Fichier:Leonardo da Vinci 023.jpg

En el primer plano se encuentra los colores càlidos de los vestidos de Santa Ana y la Virgen, el color marron de la tierra y las rocas que rodea a los personajes, los colores del fondo son frios: el cielo, la montaña, el agua, el manto de la Virgen, a Leonardo le gustaba recrear los contrastes.

Sigmund Freud hizo un examen psicoanalítico de la obra de Leonardo en su ensayo "Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci", segun Freud el manto de la virgen tiene la forma de un buitre. Freud vio la
manifestación de una fantasía infantil de un "homosexual pasivo". Leonardo escribió en el Codex Atlanticus, que fue atacado, siendo un niño en la cuna, por la cola de un buitre:
"Parece que yo estaba destinado a estar siempre profundamente preocupado con los buitres, pues uno de mis primeros recuerdos es que estando yo en la cuna vino un buitre sobre mi y abrio mi boca con su cola, y golpeo muchas veces mis labios con su cola". El buitre era en realidad un "milano"
.
Durante los ultimos 20 años Leonardo trabajó de mil maneras la composición del cuadro, estudió todos los detalles, los colores,

Datei:Sketches for the Virgin and Child with Saint Anne.jpgDatei:Head of the Virgin in Three-Quarter View Facing to the Right.jpg  

los movimientos no dejó nada al azar, fue la muerte del artista (en 1519) la que puso fin a su trabajo, para el pintor las partes secundarias aun no estaban terminadas, como los paisajes del fondo.

Fichier:Leonardo da Vinci 023.jpg
Fichier:Leonardo da Vinci 024.jpg

Leonardo pintaba en esta época la Gioconda, por ello existe un gran parecido entre Santa Ana y la Mona Lisa

Sigmund Freud explicó como la Virgen María y Santa Ana estan representadas como si tuvieran la misma edad, esto podia ser porque Leonardo era hijo ilegítimo, fue criado por su madre biológica antes de ser adoptado por la esposa de su padre. Leonardo tenía dos madres, Santa Ana y Maria las representan.
         

Freud quiso desmostrar la homosexualidad del genio renacentista en su ensayo "Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci", escrito en 1910. En este texto, Freud observa cómo el manto de la Virgen dibuja la figura de un buitre, para él es un recuerdo del pintor cuando era niño. En el Codex Atlanticus, Leonardo había subrayado su conexión con este pàjaro, pues uno de sus primeros recuerdos de infancia consiste en haber sido atacado en su cuna por un buitre que le golpeaba los labios con la cola, en realidad el pintor no se refirió a un buitre sino a un milano.

El cuadro perteneció à Françoi I,  en 1519, màs tarde en una fecha desconocida salió de las colecciones reales, fue adquerido por el Cardenal Richelieu en 1629 en Casale Monferrato, posteriormente se lo regaló al rey Louis XIII, en 1801 entró a formar parte de las colecciones del Museo del Louvre

El 18 diciembre 2008, descolgaron el cuadro, uno de los conservadores del Museo del Louvre descubrió trés dibujos detràs del cuadro que, representaban: una cabeza de caballo, un cràneo y un niño, posiblemente fueron pintados por Leonardo da Vinci.

Hace 17 años el Museo del Louvre quiso restaurar el cuadro, pero abandonó la idea pues se temía que los disolventes empleados para retirar los barnices afectaran al "sfumato",

Pero en 2009 se decidió la restauración del cuadro, esta comenzó un año màs tarde. Para ello se designó un comité científico internacional de 20 miembros, que establecieron las pautas de los trabajos.

Pero en octubre saltó la polémica: la revista especializada "Journal des Arts" alertaba de los riesgos que podia sufrir la pintura con el tipo de intervención que escogieron.

Algunos expertos no estuvieron de acuerdo con la restauración segùn ellos amenazaba con borrar de los rostros de la Virgen y el Niño el "sfumato" y proporcionaría a la obra unos brillos que nunca tuvo. Consideraron la intervención era demasiado agresiva.

El Louvre argumentó que los trabajos eran necesarios y urgentes, pues se estaban borrando los rostros del Niño y de Santa Ana, así como detalles del vestido de la Virgen y del paisaje del fondo.

El responsable del Departamento de pintura del Museo del Louvre, Vincent Pomarade aseguró que la restauración era extremadamente prudente, no se acercaba en absoluto a la capa de pintura original, solo actuaba sobre el barniz.

Una vez terminada la restauración, el Museo del Louvre ha organizado una exposición, (del 29 de marzo al 25 de junio 2012) que reúne cerca de 130 obras, bocetos de Leonardo, cuadros de sus aprendices, documentos y piezas del taller de Leonardo, la exposición trata del proceso creativo del artista en esta obra y sus imitadores. En dicha muestra se encuentra la réplica de la Gioconda (Mona Lisa), conservada en el Museo del Prado desde 1666, ha sido estudiada y restaurada antes de partir para la exposición de París, el  estudio técnico y restauración, revelo una calidad excepcional.

Un cuaderno lestà lleno de apuntes matemáticos, se puede ver cómo a lo largo de los años Leonardo estudió minuciosamente la refracción de la luz en los objetos opacos. El cuaderno descifra la técnica que hizo famoso a Leonardo.

Para Leonardo da Vinci, el ojo humano es "la ventana del alma", no era un organo para evolucionar en el Universo, era el medio para comprenderlo.

Para él la pintura era un "Arte y una Ciencia".

lunes, 9 de abril de 2012

Sebastião Salgado

Sebastião Salgado es un fotógrafo brasileño, nació en Aimores en 1944, estudió economia, desde 1973 se ha consagrado a la fotografia socio-documental, su càmara ha captado el sufrimiento humano,  como: el hambre en el Sahel, el trabajo de los emigrantes, el éxodo de los pueblos, el trabajo en las minas.

               

Sus trabajos han sido publicados en libros como: "Otras Americas", "Exodo"... Salgado se pregunta sobe la relación que el hombre mantiene con su territorio.

Son numerosas las exposiciones que ha hecho lo que le han valido numerosos premios en Europa y América, entre ellos el premio " Príncipe de Asturias de las Artes », en 1998.

 
Salgado es un fotógrafo autodidacta, trabajó en varias agencias fotograficas como: Sigma (1974-1975), Gamma (1975-1979), y Magnum (1979-1994).

Fue nominado representante especial de UNICEF en el 3 de abril 2001.

Salgado explica que la fuerza de una obra fotografica, se impone con fuerza contra la violación de la dignidad que constituye la guerra, la pobreza, y todas las injusticias.

Un articulo escrito por Susan Sontag publicado en el periodico New York Times, critica el trabajo de Salgado, lo acusa de utilizar la miseria humana con fines comerciales, sus fotografias son bellisimas y al mismo tiempo llenas de dramatismo.


En la introducción a "Éxodos" dice: "Màs que nunca, siento que solo hay una raza humana. Màs allà de las diferencias de color, de lenguaje, de cultura y posibilidades, los sentimientos y reacciones de cada individuo son indénticos".


Siempre ha trabajado en blanco y negro, sus fotografias màs conocidas son las realizadas en 1986 en las minas de oro de "Serra Pelada" de Brasil, en ellas plasma la vida cotidiana de los mineros (garimpeiros).
                   
 
Los "garimpos" son minas locales que se encuentran el los lechos de los rios, barrancas, montañas en medio de la selva, la extracción del oro es manual, son batallones de hombres se meten durante horas en los rios, o levantan la tierra con instrumentos rudimentarios, los hombres tenian que subir sacos de barro de 50 Kl, por unas escaleras muy precarias, por cada saco cobraban unos centimos. Alli todas las clases sociales estàn mezcladas (campesinos, comerciantes, médicos, ingenieros, o ladrones).
           

La colina de Serra Pelada, se fue transformando en un enorme agujero tan grande como un campo de futbol, a medida que se iba profundizando el hoyo se fueron haciendo más frecuentes los derrumbes y consecuentemente las muertes.

             


La producción brasileña de oro en 1983 fue, oficialmente, de 55 toneladas, lo que significó para el pais poco más de 700 millones de dólares.


En 1983 la mineración mecánica produjo poco, más de 9 toneladas de oro y los garimpeiros
sacaron más de 46.
 

La vida de los buscadores de oro era dura, comienzaban su trabajo a las 6 de la mañana, a las 8 de la mañana, por los altavoces de Sierra Pelada sonaba el himno nacional y luego decian el precio del oro de aquel dia, el dia de descanso comenzaba el domingo al mediodía y terminaba al amanecer del lunes.

          

Por aquel entonces, 30.000 garimpeiros trabajaban en las minas. Esta cifra se elevó hasta los 80.000 en los siguientes años.
            

Muchos "garimpeiros" aunque encontraron oro, eran raros los que cambiaron de vida, como le pasó a un minero llamado Indio, pasó un año y siete meses sin salir de Serra Pelada. Un día, logró arrancar 13 kilos de oro, los vendió, en su vida habia visto tanto dinero, con el dinero se fue para Belén, donde se quedó tres semanas, compró de todo, en 20 días gastó todo el dinero que tenia, asi aque tuvo que regresar a la mina. Un año después, el Indio encontró una piedra de casi 20 kilos de oro, su foto apareció en los periódicos.

         
En 1987 se produjeron desordenes en la zona cuando los mineros exigieron la intervención del gobierno para profundizar la excavación. Los mineros ocuparon el puente sobre el rio "Tocantins", en la operación de desalojó llevada a cabo por la policía se produjeron varias muertes, 3 según la policía y más 60 según los mineros. 
          

La producción fue decayendo paulatinamente, en el año 1991 solo extrajeron 13 kilos.

En 1992 ya no se renovó la autorización para los garimpeiros. Estos estuvieron luchando judicialmente durante diez años, hasta que en 2001 recuperaron sus cien hectáreas, en las que ya casi no queda nada del preciado metal dorado.




En las inmediaciones de Serra Pelada surgió una verdadera ciudad la llamaron Curionópolis. Actualmente tiene una población de poco más de 6.000 habitantes.


Salgado comento "Deseo que cada persona que entra a una de mis exposiciones sea al salir una persona diferente. Creo que toda persona puede ayudar, no necesariamente donando bienes materiales, sino formando parte del debate, y preocupàndose por lo que sucede en el mundo".

                                
Yo cuando veo las imagenes de estos hombres, llenos de barro de los pies a la cabeza, me hacen pensar en las aves marinas que no pueden desplegar sus alas devido a la "Marea Negra".

viernes, 6 de abril de 2012

La Cruz

La cruz es una figura geométrica de dos lineas que se cruzan, era el emblema de muchas culturas y religiones, desde su aparición ha representado los cuatro elementos, los cuatro puntos cardinales, y el concepto de divinidad.

    
  

La palabra Cruz procede del latin, tiene el sentido de un instrumento de tortura (crucifixion de Cristo), el termino griego para designar el mismo objeto es "stauros" que significa palo o poste que deriba de la letra Tau.

Podia tener diferentes formas, las primeras cruces eran un simple madero derecho, podia tener forma de T majuscula, la cruz latina, la cruz griega + , en X como la cruz de San Andrés...

          
    

La Cruz es uno de los simbolos màs antiguos, era adorada como símbolo religioso en Babilonia mucho antes de la llegada del cristianismo, era un simbolo solar para los Babilonios.

                    
 

Segùn el libro titulado "Babylon Mystery Religion" la cruz tiene su origen en la antigua Babilonia desde alli se propagó a: China, Epgipto, India, México y en ciertas partes de Africa antes de la llegada del cristianismo.

Los Egipcios tenian cruces de diferentes formas como lo muestran los jeroglíficos tenian un redondel o un círculo sobre ella, significaban la "vida". Los sacerdotes egipcios del dios Ra la llevaban en la mano. Para los faraones era un signo distintivo de su autoridad.

                 
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Se la denomina "cruz ansada" (la parte superior en forma de ovalo, lazo, asa o ansa), la "llave de la vida" o la "cruz egipcia".

La religión Copta tenia la "cruz con asa", como lo muestra el bajo relieve

               
 

En el año 46 a.d.c los romanos tienian monedas donde figuraba Jupiter sosteniendo un largo cetro la extremidad tenia forma de cruz.

Es el simbolo femenino de Venus y del cobre.
                                        

Las Vestales (virgenes romanas paganas) llevaban una cruz como collar, lo mismo que los religiosos y católicos actualmente.

Los Chinos la pintaban sobre las làmparas que iluminaban los templos.

Cuando los españoles llegaron a México, se sorprendieron de ver la cruz adorada en los templos de ANAHUAC.  La civilización del Anahuac comienzó aproximadamente en el año seis mil antes de la era cristiana, terminó con la llegada de los españoles en el
año de 1519 .
La "cruz de Tau" recibe el nombre por la forma de T, se la conoce también por el nombre de "cruz de San Antonio".
                            

Es un símbolo empleado por la Orden franciscana, San Francisco de Asis la utilizaba como su firma y sello personal.

A a partir del IV Concilio de Letràn, que fue convocado por el Papa Inocencio III, la Tau era un símbolo muy utilizado por laiglesia Catolica como signo de conversión y señal de la cruz.

              http://todoesdon.files.wordpress.com/2007/01/tau.jpg
   
La cruz como simbolo cristiano comenzó hacia el año 313 d.d.J a partir del edicto de Milàn, que estableció la libertad religiosa en el Impero Romano, fue firmado por Constantino Licinio.

              
 
Para el Cristianismo la cruz està ligada a la crucifixión, (era una ejecución), el condenado era atado o clavado en un arbol,
               
en una pared o en una cruz de madera, el condenado generalmente estaba desnudo, los brazos extendidos, dejaban al crucificado morir lentamente de sed, insolación, dolor, asfixia. Colgaban un escrito que indicaba el motivo del suplicio.

            
Image illustrative de l'article La Crucifixion (Le Pérugin et Signorelli)

Los romanos, la utilizaban para ejecutar a los que se sublevaban contra la ocupación romana, Jesucristo y varios apóstoles cristianos, fueron crucificados por el delito de sedición y tumulto, algunos como el apostol san Pedro fuero crucificados con la cabeza para abajo.

          Gallery of Arts
Los esclavos eran crucificados fuera de la ciudad o en la plaza Sestertiumy, lo mismo que a los hombres libres que no tenian la ciudadania romana.
En el año 71 a.d.j Crassus hizo crucificar a lo largo de la Via Apia cerca de 6000 esclavos, que fueron capturados despues de su victoria contra la rebelión de Espartaco.

En tiempos de la República (Roma) se aplicaba a los culpables de los delitos de piratería, asesinato, robo, sedición y rebelión; menos a los ciudadanos romanos, según la constitución. 

Durante el Imperio (Roma) no se crucificó a ningún ciudadano romano, a menos que perteneciese a la clase de los "Humiliores" y los "Honestiore" podian ser objeto de tortura, eran personas libres que no tenian ningùn cargo, ignoraban la diferencia entre "patricios" y "plebeyos" .

  
                 
El castigo comenzaba sometiendo al reo a azotes, los romanos utilizaban un làtigo hecho de tiras de cuero, sobre ellas se ataban en sus extremidades trozos de hueso y de metal, segùn la ley judia recibian 40 latigazos menos uno (39), luego tenian que cargar con el leño horizontal de la cruz, hasta el lugar del suplicio (casi siempre estaban expuestos a la humillación de la gente, al llegar al lugar de la ejecución donde estaba instalado el "patibulum" (la parte vertical de la cruz) podia ser un tronco o un arbol podado, antes de ser clavado les daban un cuenco con vingre mezclado con hiel y mirra, para aliviar los dolores, los clavaban por las muñecas, y les rompian las piernas (Jesus no tuvo ningun hueso roto) los condenados tardaban en morir entre 3 y 5 dias.

                   
      

Segùn los médicos forenses, el cuerpo humano en una situación como esta sufre una asfixia gradual, la caja toràxica oprime los pulmones, para conseguir respirar el reo tiene que levantar su cuerpo apoyandose en los clavos, que con el esfuerzo se desgarraba la carne y los tendones.

               
   

La crucifixión no era utilizada por los judios, la ley Mosaica para los condenados era por: espada (Exodo 21), estrangulamiento, fuego (Lev.20), y lapidación (Deuteronómio 21)

                
La crucifixión fue utilizada como pena capital por los romanos hasta 337, el emperador Constantino la abolió.

La primera representación de la Crucifixión, es la del Códice de Rabula, se encuentra en la biblioteca de Laurentina de Florencia.

             


En ella se encuentran los testigos de la muerte de Jesus: la Virgen María, San Juan, María Cleofas, María Salomé, María Magdalena, Longinos y las dos cruces con Dimas y Gestas; sobre un fondo de montañas, y en el cielo el Sol y la Luna, la imagen es la base de la composición de la crucifixión de Jesus. 

En uno de los conventos del monte Athos se conserva un crucufijo del siglo V. 
El origen de la cruz era pagano, con el tiempo los cristianos la adoptaron. Pero la verdadera Iglesia la rechazó pues la Biblia dice claramente que el pueblo de Dios no debe practicar ni tolerar las costumbres, tradiciones o practicas paganas (Deut 7: 1-6; Jer 10: 1-5; Apo 18: 1-4).


En el (Exodo 20:4-5) dice: "No te haras imàgenes talladas. Ni figuración alguna de lo que hay en lo alto de los cielos, ni de lo que hay debajo de la tierra. No te postraràs ante ellas, y no las serviràs".